体育场:城市文化的延伸

Hi,
我在iWeekly·周末画报 for iPhone中发现了这篇文章,想与你分享:

体育场:城市文化的延伸

世界上著名的体育场馆,几乎都是因大型赛事而新建,德国慕尼黑Allianz体育场、中国国家奥林匹克体育场(俗称“鸟巢”)不外如此。这些集结了当下建筑艺术结晶的作品,拥有超乎人们想象的建筑材料和技术,当然更令人惊叹的是建筑师们丰富的想象力和创造力。

“我们通过研究古希腊和意大利的体育建筑发现,这些建筑都有着当时最为先进的建筑设计,其精细程度远远超出我们的想象。”美诣建筑师事务所(MANICA Architecture)总裁David Manica为我们介绍道。作为一名有16年体育场馆设计经验的设计师,David Manica的作品遍布全球,他曾是美国丰田中心和英国O2体育馆的主设计师,担任过欧洲数家足球豪门的球场设计工作,另外还以体育场馆设计顾问的身份参与2018年以及2022年世界杯体育场的设计。

在David Manica的眼中,现今的体育场馆与古代体育场馆相比,其中的改变比我们想象中的要少的多。体育场馆的标准结构,功能区域的划分,场所的连通性等等基本特征雏形早在古时便已成型,以罗马斗兽场为例,椭圆形的竞技场分出不同的楼层给持不同门票的观众,比如普通观众、特别来宾、政府官员等。透过这些楼层和走廊,场地为不同界别的观众提供通往厕所及其他设施的通道,还有可开合屋顶来挡住酷热的太阳,在场馆视线设计上也充分考虑到了不同区域观众的视野,罗马斗兽场甚至还主办过众多各种类型非运动活动以吸引观众。

在基本特征并无太大改变的前提下,当代体育场馆从人体工学的角度更注重观众的个人体验,细微之处的改善,最大限度地提升了观众在体育场馆中的舒适度,可以说是新体育场馆的一个重要演变和推进,比如伸腿空间变得更大,座位变得更宽和舒服,而科技的进步也透过视像和音效(比如视像显示板、音响系统等等)来提高体育现场的体验。

通过这些硬件方面的进步,更为人性化的现代体育场馆在功能性上逐渐衍生出了一些新的属性,其中最为显著的便是娱乐性。“赛后利用”已经不是一个新鲜课题,以往的体育场馆只为单一的活动设计,这些建筑的赛后潜在利用在设计和计划阶段经常被忽略,也就造成了体育场馆赛后成为政府与市民的累赘。

时至今日,体育场馆广泛地引入休闲设施,大量承接非运动活动,不同形式的娱乐项目开始出现,比如歌舞演出、大型展览等等,体育场馆这类属于大型公共建筑设施范畴内的建筑,开始更多地承担作为城市公共空间的其他职能,为市民提供独特的建筑体验以及城市娱乐的工作。而使得体育场馆的这些赛后利用能够成形的重要因素,便是设计师们对体育场馆功能性设计延展性的思考,这已是现代体育场馆设计不可忽视的重要元素,其实也从另一个角度反映出体育场馆设计的复杂性,它必须同时能满足众多不同人群的需要。运动员、体育观众、普通市民、教练、城市官员、媒体,以及歌手或艺人,各种群体对这个建筑都有不同的要求和期望,对于设计师来说,提供给城市一座体育场馆的过程,也就是一次自我寻找完美平衡的经历。

《周末画报》×David Manica

你是如何看待体育场馆在城市建筑中的位置?
体育场馆在任何城市里都是最重要的公共建筑之一。体育场跟一个城市的球队一样,能成为当地人的骄傲和忠诚之源。体育场地应该成为一个城市的主要特征之一,因为它不只是比赛和活动的中心,还可以展示一个城市和它的居民所拥有的精神。无论放到哪座城市里,体育场馆都是一些更大的重建项目的支架,好的体育场馆能够促进城市面貌的改善,成为一个城市里的独特去处。

你有不少中国的项目,你是如何将自己的作品有机地融入不同的中国城市当中?
体育场馆的设计应该要反映出一个城市和它的居民所拥有的精神。所以了解一个设计的地点以及与它周围环境所可能产生的综效,还有这座城市大体的结构都是非常重要的。要满足这几点,我们会非常仔细地研究项目的选址,花很多时间和精力去思考如何响应现有的城市设计,不去破坏它,而是去强化它。

你经手的建筑遍布全球,在这些作品中,有哪件是你最满意的?遇到过最大的困难是?
建筑师最满意的永远是自己正在进行的项目。设计任何一个体育场馆所遇到的最大困难就是平衡所有功能上的要求,以保障建筑物能正常运作。在体育建筑方面,我们的客户几乎都从来没做过这方面的建设,这跟酒店、商场或公寓建筑不同,发展商之前有过多次的经验,体育项目一般都是客户们头一次的经验。所以我们需要运用自己的经验和专业知识去指导客户思考,避免他们犯一些可能会犯的错误。

1845

Advertisements

娱乐:英剧上位的时代

Hi,
我在iWeekly·周末画报 for iPhone中发现了这篇文章,想与你分享:

娱乐:英剧上位的时代

“安德森,你知不知道你的出现拉低了整个街区的智商!”—这句近乎刻薄、搞笑又傲慢的台词来自2010年最著名的英剧《神探夏洛克》 ,从而言简意赅、形神兼备地概括出了英伦半岛所出品的影视文化业的气质:满坑满谷的创意无限与尖刻幽默,同时兼带着英国人民永不放弃的傲慢与偏见。

“精美怪味小吃”

世人接触英剧的入口不尽相同,有些是被酣畅淋漓的英式青春《皮囊》震惊,有些是被嘴贱的尖锐喜剧《布莱克书店》或者《小不列颠》所吸引, 有些则是沉浸在如《福尔摩斯》或者《大侦探波罗》等古典探案剧多年。虽然入口途径并不相同,但英剧跌宕曲折的情节,黑色幽默的叙事风格, 被剧迷们比喻成:吃过了铺天盖地的机制汉堡包,突然在街角尝到了精美小餐厅里的怪味小吃。

而时至今日,这个比喻似乎因为英剧的火爆蔓延而显得过时起来,如今,英剧和人文、古典及大胆依然挂钩,但却离小众、晦涩与片面越来越远,美剧越发流程化和创意重复的时代,充满超前意识和重口味的英剧在逐渐上位,从《神探夏洛克》成为2010年的年度剧集起,从《梅林传奇》与《皮囊》的粉丝以吨位的重量级增加开始,从《屋事生非》得到了鬼才导演昆汀·塔伦蒂诺的盛赞,不知不觉中,携带着与美剧风格迥异却娱乐精神一致的内核,英剧开始展现自我、荒诞却又维持本色的气质,一边在独特的小众世界里充满个性地不亦乐乎,一边却又无心插柳般地种出庞大的粉丝群。

傲慢的古典情怀

其实,雾气浓重的大不列颠半岛上只有5个包括BBC在内的公众电视台,播出规模实在无法和电视文化输出大国美国相提并论。在世界范畴内包括中国,美剧的传播率和红火度在现阶段一定大超英剧,但这并不意味着英国人民的娱乐精神欠奉。作为戏剧的鼻祖之乡,英剧之与众不同也是不容小觑的,某种意义上,英国影视文化的优势不在于高量输出,而在于其无比坚持的文化底蕴和傲慢情怀。

亚瑟王、福尔摩斯、莎士比亚、亨利八世、伊丽莎白的传说、王尔德以及简·奥斯汀的名著一直是英伦文化人乐此不疲的改编对象,以上这些相关改编作品不仅常年出现在英国的舞台剧上,也常用各种形式现身电视屏幕。以BBC为首的精工电视网曾出品过《傲慢与偏见》、《简爱》、《雾都孤儿》、《莎士比亚的重现》、《小妇人》、《艾玛》等名著改编迷你剧集,无一例外地体现了英伦古典风范:平静内敛、精工细作,如《小杜丽》、《小妇人》等剧集也被好莱坞拿去翻拍,但英国古典剧集有着自己的坚持与格调,骨子里那股沉着与傲慢几乎是在英剧荧幕之外无从复制的产物。

同时,对于传说和英式代表人物的热爱也催生了更多类型的相关英剧衍生,如两部如今在国内都很火辣的剧集《梅林传奇》与《神探夏洛克》都是英国年轻一代对于“亚瑟传奇”和“福尔摩斯”爱的延展,梅林化身为青葱少年辅佐青年亚瑟王成就伟业,而福尔摩斯则喜欢给华生发短信以及两人挤兑对方的方式都非常有爱。

外冷内热的英式幽默

但是,不要以为英剧仅仅是由古典皇宫、魔幻传说或者名侦探组成,这是一个摇滚史与莎翁史同样重要的国家,所有的英国人都有着外表冷静内心狂热的色彩。而这种人文景观折射到影视文化中就出现了各式的冷热交替,脱掉了华丽的中世纪服装,他们也有《皮囊》、《IT狂人》、《小不列颠》,无论是肥皂剧还是偶像剧,抑或是长篇累牍的严肃题材,都无一例外地以冷幽默夹带人文气息,打上了“英国制造”的烙印。

英国的喜剧和青春剧与全球剧迷所习惯的美剧氛围大相径庭,一无温暖煽情,二无说教励志,主角身上落实的是戏剧化的夸张与阴郁,无论是活泼枯燥的《办公室》、神经兮兮的《小不列颠》,还是愤世嫉俗却脆弱不羁的《皮囊》 ,英国人都善于在角色身上进行超脱于主流价值观的个性雕琢,因而英剧的主角大多洒脱傲慢或者神经邪典,这种独辟蹊径让英国人的满腔智慧和讽刺跃然银幕之上,就算是最简单的情景喜剧也常极尽讽刺奚落之能事。

另一方面,英剧长于从最普通的生活中寻觅笑点,也善于在英伦古典和文化隐喻中取得平衡,剧中人一本正经地说出囧囧有神的台词,这种怪异的反差本身就是自成一体的戏剧,比起好莱坞式的“大团圆”和“英雄救世”的癖好,英剧更热爱拿主角或者自己人开涮,不避讳与不逃避也体现了他们对于自我的解读与反思。1825

『封面故事』蕾哈娜专访:“我是一朵叛逆的花!”

Hi,
我在iWeekly·周末画报 for iPhone中发现了这篇文章,想与你分享:

『封面故事』蕾哈娜专访:“我是一朵叛逆的花!”

手握三座格莱美奖杯,新唱片创造Billboard的神话,年仅22岁的巴巴多斯音乐精灵蕾哈娜,用自己的才情,在美国乐坛创出了属于自己的奇迹。她说:“我还年轻,能把所有人的意见挡在门外,我要成为我自己!”

来自海岛的天才少女

2010年11月15日,蕾哈娜的第五张个人专辑《Loud》面世。打榜的第二单曲《What’s My Name?》夺得冠军后两周,第一首单曲《Only Girl》再次夺冠。在出道5年多的时间里,蕾哈娜已有9首单曲在公告牌上占据第一,这个成绩已经超过了碧昂丝、麦当娜等一线明星,让她成为了2001—2010这10年中歌曲获得第一的数目最多的女歌手!毫无疑问,已经有三座格莱美奖杯在手的蕾哈娜,是2011年格莱美说唱女歌手中最具竞争力的一个,而她,才22岁!

1988年2月20日,蕾哈娜出生在东加勒比海岛巴巴多斯,从小就显示出了过人的表演天赋。父亲拥有爱尔兰血统,母亲拥有非洲血统,让她拥有天使般的脸庞,更融合了混血儿那种迷人的特殊气质。也就在此刻,幸运之神开始悄悄改变她的命途。

2003年夏天,蕾哈娜被介绍给正在巴巴多斯上享受假期的纽约著名音乐制作人伊文·罗杰斯,当他听完蕾哈娜的声音后,被蕾哈娜富有穿透力的嗓音和天真无邪的气质所震撼。他开始给她录制样片,并不断寄给各大唱片公司。Def Jam唱片公司的老板,也是美国著名说唱乐手Jay-Z慧眼识珠,帮她推出了第一首单曲《Pon de Replay》。这首雷鬼曲风的《Pon de Replay》让2005年美国乐坛夏季火热温度达到顶峰。事实也已经证明,Jay-Z和伊文·罗杰斯的眼光是何等锐利。出道5年,蕾哈娜无疑已经成为美国乐坛一颗璀璨的明珠。

走出阴霾

在和克里斯·布朗分手两年之后,蕾哈娜终于愿意对着媒体诉说自己衷肠。毕竟,她明白,人不能一辈子活在别人同情的目光中。何况,她是如此成功的一个明星,她容不下一丝阴影的存在。时至今日,人们都还时不时闪过这样一丝念头:她是不是还想着那个混蛋小子?在自己最新的Twitter上,蕾哈娜明确表示,她已经厌倦了记者问她一切有关前男友克里斯·布朗的问题。她已经不想再回答那些过去的事情。

在两年前的格莱美颁奖典礼前,克里斯·布朗和蕾哈娜在汉考克公园停车场发生了争执,结果导致蕾哈娜受伤,伤势遍及面部及手臂,严重到足以让她无法登台表演。两周后从警局公布出来的取证相片也证实了这一切—蕾哈娜两边脸上都有擦伤和淤肿,鼻子被打出血,嘴唇也破了。原本格莱美打算让这对情侣同台献技,但最终,这桩不幸事件打破了格莱美的计划,更让本来看好两人的歌迷情绪低落到了极点。克里斯的星途被彻底摧毁,而经历了情变的蕾哈娜,人们一时间不知道她会走向何方。

但很快,她用自己的音乐给出了答案。2009年11月,蕾哈娜用惊人的速度发行了自己的第四张个人专辑《限制级》(Rated R)。在这张专辑中,人们看到了一个另类的蕾哈娜—她以一张满含黑暗、压抑情绪的专辑宣告她坚强人生的开始。从封面形象设计上就可以解读出她赋予的主旨:你可以将单手撑住脸庞的动作当作是受伤后的自卫姿势,却也能看到她露出的左眼里,透出绝对的坚毅和绝对的倔强。

音符的奇迹

也许是因为肤色、长相和身材相近,总有人拿她和碧昂丝相提并论。但她反感这种提法。事实上,她很少自己写歌,但她的曲风更多样。用英国《观察家报》的话说,蕾哈娜更多的是以“流行印象派”出现。“一开始因为是个新人,我不得不接受媒体对我的称呼—加勒比碧昂丝、黑皮肤的凯莉·米洛……但最终我会对所有人说‘不’。”她说,“现在我能控制一切了,这需要时间。你们明白的。”现在每当有记者问及她和碧昂丝比较之类的无聊问题时,她总是会客气而委婉地回答:“我很欣赏她,但我就是我。”

在蕾哈娜的音乐世界中,你永远都不会觉得乏味。每次新专辑问世,她都能够给人带来新的亮点—复古舞曲、灵魂、流行、节奏蓝调、dancehall……在她的歌曲中,你能听到的是发自灵魂的声音,她可以在《限制级》中展现她暴力阴暗的一面,因为她需要发泄一下自己受压抑的情感,同时她也可以在《爱如谎言》中展现她痴情的一面:“你是不是就打算站在那看着我五脏如焚/不过没关系/因为我喜欢这心痛的感觉。”而现在,人们欣喜地看到,她终于再次回归最拿手的舞曲节奏,《世上唯一的女孩》再次展现她如蜜糖般的缤纷色彩,美国《娱乐周刊》这样评价:“终于,快乐的蕾哈娜回来了!”

美貌、性感、有才情,之所以能够逐渐成为流行一线明星,是因为蕾哈娜的音乐能够带给人丰富的灵魂—她是一个来自于加勒比美丽岛国的精灵。2月20日,请记住这个日子。巴巴多斯国王破天荒地把她生日这一天命名为“蕾哈娜日”,以表示对她在乐坛以及时尚界所做努力的敬意。也许从诞生那天起,蕾哈娜就注定是一个奇迹。

“我是一朵叛逆的花”——蕾哈娜专访
Q=Marcel Anders A=蕾哈娜

Q:你最近的两张大碟,《Rated R》给人感觉非常阴沉,而《Loud》似乎非常轻松、愉快。为什么呢?最近你改变了?
A:噢不,这只是一种不同的精神。我想,不管何时做音乐,不管当时是什么心情,这些都会通过那张专辑表达出来。我想,《Loud》就真正表达出了我现在的感觉,我的精神,我的空间。而且感觉十分好玩,有情趣,表现力强,响亮。

Q:虽然你只有22岁,但你已经出了5张专辑。你会不会有时觉得自己成长得太快了,以至没有度过一个正常的童年?
A:一点也不觉得,因为我一直比较成熟,比我年龄更成熟。我觉得很享受,我享受学习,所以我现在的确跟许多年龄比我大的朋友出去玩。我从小就一直这样,我所有的朋友年龄都比我大。所以我觉得我享受生活中有人对我的提醒,并且从他们身上学习生活中的经验。

Q:作为一名艺人,你一直强调诚实和人情的重要性—特别是要与歌迷保持亲密关系。你仍认为是这样的吗?
A:当然,绝对是这样的。我觉得这不仅对歌迷很重要,因为他们要先去了解这个人,然后才会去购买专辑。这对于我更为重要,我喜欢我能够满足自己的所想所见。就像他们经常说的,说出我的心声。这使我感觉真实,对音乐感觉真实。所以,当我通过音乐,歌词来表达那些东西时,便会更特别。

Q:你认为当榜样困难吗?
A:嗯,在我歌唱事业的头两年压力比较大。但我觉得歌迷所喜欢的,是我的缺点,我的不完美。我认为我的叛逆和我行我素的作风能够激励歌迷养成独立的性格。所以这就是我所关心的,人们做真正的自己,尽情享受生活。

Q:由始至终,你追求的是多元化还是单一音乐风格?
A:我肯定是想把所有的东西都融合到一起。我想要有各式各样的音乐风格。所以我想要不同的元素,十分独特的元素。每次我们进入录音棚,从开始到结束一直都有一股干劲,甚至连词曲作者都有着同样的干劲。在训练营的时候,他们玩得很开心,训练营对他们来说就像个大家庭,快乐的大家庭。而这种干劲恰恰反映在专辑中。

Q:在过去的采访中,你一直大方地谈你的童年生活,如你与吸食快克上瘾的父亲生活艰难,你母亲经常被你父亲打。这如何影响到你?
A:生活中已经发生或正在发生的每样负面或可怕的事,其实到最后会变成好事。但现在每当我回望我的童年,就会想,如果不是有这样的童年,我就不会成为现在的我。现在的我是我想要的,我的脸皮也不会锻炼得如此厚,这些是在我这个行业所需要的。所以我的童年绝对帮助了我在这行生存。当我回望我的童年,实际上有许多美好的回忆。负面的事只占很少。我经常在想美好的事,像在海滩,学习游泳、学习写字、抓鱼。这些大多都是跟我父亲一起做的。似乎我只关注这些。我的童年有美好的回忆。

Q:你曾经说过,所有女性年轻时都应该拍裸照。你认为你自己是性感的人还是独立女性?
A:嗯,每次我听到性感的人时,我就觉得既阿谀奉承,又不舒服。所以,我不会把这个放到首位,就好像我要成为一个性感的人。其实,我只是做我自己所想要做的事。我只是一个普通的女性。

Q:你下一个目标是什么呢?你认为你30岁时会怎么样?
A:30岁离现在还挺遥远的,但在30岁之前,我还有许多事情想做。我想尝试下海经商,拥有我自己的时装和化妆品公司,尝试做我喜爱的事。就像现在,我们在做电影,这也是我喜爱的。所以谁也不知道以后会怎么样。1651

刘瑜:请别让我消失

Hi,
我在iWeekly·周末画报 for iPhone中发现了这篇文章,想与你分享:

刘瑜:请别让我消失

霍尔顿如果不是个少年,而是个中老年人,那他可真烦人。《麦田守望者》里的这位主人公,看什么都不顺眼。他讨厌学校,讨厌同学,讨厌父母。他甚至讨厌那些喜欢说“祝你好运”的人,以及那些说“很高兴认识你”的人,以及在钢琴演奏中瞎鼓掌的人。他当然还讨厌数学物理地理历史以及除了写作之外的一切学科。一个甚至无法从学习中得到乐趣的人,可真烦人。

关键是他的痛苦也没有什么“社会根源”。生活在他的时代和国家,他既不能抱怨“扭曲人性的专制社会”,也不能抱怨“愚蠢的应试教育”,他只是用鸡毛蒜皮的方式讨厌着那些鸡毛蒜皮的事情而已。

但这一切唧唧歪歪,都可以以“无辜少年反抗压抑的社会秩序”的名义而被宽容,甚至被喝彩——据说后来美国有很多青少年刻意模仿霍尔顿——因为他是个少年。在青春的掩护下,颓废是勇气,懒惰是反抗,空虚是性感。有一段时间甚至有人为此类文艺作品起了个类型名称,叫做“残酷青春”。简直没有比这更无赖的词了:什么叫残酷青春?老年残不残酷?残酷到人们都懒得理会它的残酷。童年残不残酷?残酷到都孩子们都无力表达它的残酷。更不要说倒霉的中年,残酷到所有人的残酷都归咎于它的残酷。所以说到残酷,青春哪有那么悲壮,简直可以垫底。

但也许《麦田守望者》并不仅仅是一部青春小说。它是关于一个人在看透人生之注定失败后如何说服自己去耐心地完成这个失败的小说。小说里,中学生霍尔顿想:好好学习是为什么呢?为了变得聪明。变得聪明是为什么呢?为了找到好工作。工作又是为什么呢?为了买卡迪拉克。买卡迪拉克又是为什么呢?天知道。

当然他可以追求别的:知识、文学、音乐、和心爱的人坐在床边说话,以及思考“中央公园的鸭子冬天上哪儿去了”。但是,追求这些,他就远离了愤怒,而愤怒——只有愤怒——是感知自我最快捷的方式。

其实仔细想想,霍尔顿面对的“社会”并没有那么可恶。无论是室友、女友或老师,似乎都不是什么黑暗势力,只是一群“不好不坏”的人而已。如果作者以第一人称写他们,也许会是一个一模一样的故事。但这个社会最糟糕的地方,也许恰恰是它甚至不那么糟糕——这些不好不坏的人,以他们的不好不坏,无情剥夺了霍尔顿愤怒的资格,而愤怒——至少愤怒——是一个人感知自我最快捷的方式。

其实满世界都是霍尔顿。16岁的霍尔顿,30岁的霍尔顿,60岁的霍尔顿。他们看透了世界之平庸,但无力超越这平庸。他们无力成为“我”,但又不屑于成为 “他”。他们感到痛苦,但是真的,连这痛苦都很平庸——这世上有多少人看透人生之虚无并感到愤怒,而这愤怒早就不足以成为个性、不足以安慰人心。事实上自从愤怒成为时尚,它简直有些可鄙。

所以《麦田守望者》最大的悖论就是逃跑。一方面,霍尔顿渴望逃到西部,装个聋哑人,了此一生;但是另一方面,他又想做个“麦田守望者”,将那些随时可能坠入虚无的孩子们拦住。整个小说里,最打动我的不是关于“麦田”的那段经典谈话,而是另一幕:霍尔顿经过两天的游荡已经筋疲力竭,过马路的时候,每走一步,都似乎在无限下沉,然后他想到了他死去的弟弟艾里。他在心里对艾里说:亲爱的艾里,别让我消失,别让我消失,请别让我消失。

《从头再来》里,崔健唱道:我想要离开,我想要存在。在同一首歌里,他又唱到:我不愿离开,我不愿存在。

我想霍尔顿也许不是真的愤怒,他只是恐惧。他只是对自己的虚空人生感到恐惧,而出于自尊心,我们总是把恐惧表达成傲慢。他还热爱小说呢,他还热爱音乐呢,他还热爱小妹妹菲比脸上的笑容呢。最后霍尔顿之所以没有去西部,也许并不是因为软弱,因为就算到了西部,也得找工作,也得去超市买1块钱3斤的土豆,身边还是会有无数喜欢说“很高兴认识你”和“祝你好运”的人。与其到远方去投靠并不存在的自由,不如就地发掘生活中那尚可期待的部分——小说音乐和小妹妹的笑容,善待因为迷路而停落到自己手心的那一寸时光,等那个注定的失败从铁轨那头驶来时,闭上眼睛,呼拉,干净利落地消失。

Tips:^_^,如果你喜欢这篇文章,可以通过Email分享给朋友,或将喜欢的图片发布到微博…我们相信,分享是一种美德1579

林剑:离开黑色,美就消失

Hi,
我在iWeekly·周末画报 for iPhone中发现了这篇文章,想与你分享:

林剑:离开黑色,美就消失

“黑”作为一种语词,和肮脏、恐怖、无政府主义,以及不祥的征兆有关。这承袭自古代人类对黑夜的恐惧。与此同时,这个充满了负面隐喻的颜色,却在与服装结合的过程中,被永恒地时髦化了。如果说,时尚残酷的轮变会汰尽一切时下的鲜货,很幸运,黑色将成为得以逃出生天的唯一。

对黑色的科学认识,起源于牛顿。他不仅发现了万有引力,同时也通过三棱镜发现黑色并不存在于光谱中。它就像一只怪兽,把所有映照其上的光线,统统吞噬。因此,它成了可以隐藏一切色彩和情感的最佳载体。正如藏污纳垢的黑夜一样,正义与罪恶共存于暗淡无光的夜晚。相较其他颜色而言,黑色在情感表达上的零度,也许才是唯一值得信赖的客观呈现。

当然,黑色走进时装系统的历史,远久于牛顿的科学。当初,仅仅是因为黑色不存在于自然之中,所以极难为面料染色,才成为只有少数贵族才负担得起的颜色。因此,黑色的袍子对于社会而言,不仅仅是权力的象征,同时也代言了高尚的生活方式。资产阶级革命展开后,新兴资产阶级摒弃了一切繁冗娇气的贵族服装,却仅仅保留了黑色以满足其着装轻便严肃的要求。一时间,黑色成为最大的男性时尚,代表了严苛的剪裁、低调与财富。这一意象至今仍在男装中发挥着作用。

而黑色进入女装则和服丧的传统有关。19世纪,随着染黑的技术变得不那么奢侈,黑色作为葬仪的规定用色被广泛地应用开来。鳏寡孤独者,也必定一身黑。

从 Chanel最富盛名的小黑裙(little black dress)开始,黑色真正走进了现代时尚界。先前的巴黎被东方异域风格所占领,时装色彩夸张且刺激。之后,经由好莱坞明星Marilyn Monroe、Audrey Hepburn的演绎,这种极端高雅的色彩与简约紧凑的款式组合便成为了永世的经典。然而,仅仅作为一种色彩,黑色不可能统御时装界那么久。小黑裙,仅仅只是体现了一种绚烂过后对平静与自我约束的渴求。而黑色也才刚刚展露了其丰富的内涵而已。

电影《黑衣人》(Man in Black)中的主角这样解释“黑衣”的意义:“从服装上,你无从分辨出对任何族群的从属,甚至湮没于人群中。你整个形象被雕琢成与过去的人事隔绝。你是个谣言,你从未出生。匿名就是你的名字,沉默就是你的母语。你不再是系统的一部分,你高于它,凌驾于它,超越了它。”在这里,“黑衣”成为隐匿了身份,从而高于世俗系统的一种符码。而钟爱黑色的日本时装设计师山本耀司也有过类似的阐述,只不过他植根于自己的东方传统:“忍者的精神是黑色的。忍者一定要把自己打扮成无形,从颜色和形象上都必须是黑色的。”黑色的夜行衣,把穿着者丢进无穷无尽的黑夜中,使之近乎于消失,而忍者却掌管着许多人的生死。

因此,黑色在这里,可以被解释成具有神性的颜色,将人抽离出庸常的七情六欲以及既定的社会系统,从而体现出穿者隐秘的恐怖高级身份。

这种隐秘的色彩伪装,时常被歌特分子所利用。上世纪80年代,延续朋克运动而来“新歌特”潮流,其实和原本的歌特文化无本质的联系。只不过,这批年轻人断章取义地把中世纪的恐怖主义与极端压抑的氛围带入了现代,并将之演绎成阴郁、孤独,又不失优雅的调调。当然,他们也沿用了中世纪贵族们最爱的黑色。

黑色的歌特风格是这些年轻人进行自我疏离,又获取关注的方法。其原理类似于“黑衣人”和“忍者”,只不过在歌特那里,演化为一种青少年反叛情绪的简单表达。

时装界敏锐地抓取到了这股青少年亚文化的重要性。时装化后的歌特,成为当代时装最重要的意象之一。设计师们尽量使用黑色面料,设计出一个又一个散发着怪异中世纪味道的夸张系列。其中,饱含了技术上的难度,以及绝不折衷的锐利风格。

黑色本身不仅具有强烈的表现力,同时又是安全色彩,轻松适用于一切色彩搭配。而歌特分子则用黑色来反衬其几近苍白的皮肤,以获得戏剧般的对比效果。不得不说,这种夸张的对比效果,也暗含了色情的意味。19世纪末的《巴黎女人》杂志曾明确地告诉女人,当男人看到她们的黑色内裤时“希望看到白色的皮肤从黑色的紧身衣中显现出来。这个能让他们性致勃勃。”在19世纪,由于女性普遍的黑色服丧传统,使得寡妇也成为极具诱惑力的情色目标。而Dolce & Gabbana则用现代服装技术,再现了西西里寡妇造型。

把一切色彩与细节取消,很容易让人聚焦在由黑色包裹起来的物体本身上。当黑色的皮革、PVC,以及其他弹性面料紧紧裹住身体的时候,其产生的色情效果远胜单纯的赤裸。黑色把人体转换成欲望的目标,性的特征被极端放大。

在向来喜欢不合体设计的山本耀司,大量使用黑色的目的是要取消服装上的一切细节,把关注的焦点放在雕塑一般的廓形上,如同夕阳前的剪影人形。荷兰设计师组合Viktor & Rolf也曾设计过一整季的黑色时装,并把所有模特的脸涂黑,使得这个系列的夸张廓形成为T台上,唯一受到崇拜的。因此,时装被高度抽象为罗兰·巴特所言的“符号、符码、神物,以及信息”。

在时装制作技术以及面料的不断丰富过程中,黑色不再只是一种单一的颜色。黑色的时装也不再只是单调而严肃的,它完全可以是丰富,甚至是吵闹的,只不过采用了一种低调的方式而已。

法国高级订制服大师Christian Lacroix解释了黑色的丰富性:“黑色各个不同:半透明的精致黑,哀悼的阴沉的黑,深沉的皇室的天鹅绒黑,衰败的平纹绉纱黑,丝的直率黑,流畅的缎子黑,换了而正规的油画黑。羊毛黑令人联想起煤炭,而黑色的棉织品又一种乡村的民俗感,所有的新材料,当它时黑色的时候总是有种娱乐味道。”

比利时设计师Ann Demeulemeester则善于用不同的黑色,在层叠的装饰效果下,体现她独特的美学诉求。谷崎润一郎早就高度揭示了黑色的独特审美性。他在《阴翳礼赞》中写道:“美不存在于物体,而存在于物体与物体所制作的阴翳的花样与明暗之中……离开阴翳的作用,美就消失。”

Tips:^_^,如果你喜欢这篇文章,可以通过Email分享给朋友,或将喜欢的图片发布到微博…我们相信,分享是一种美德1390